Музыкальный календарь

Музыкальный календарь. Июль

По традиции завершаем наш выпуск Музыкальным календарём. Среди именинников июля интернациональная компания известных композиторов — Кристоф Глюк, Густав Малер, Джон Филд, Леош Яначек и Юрий Чичков, основатель нового направления в педагогике — Карл Орф. обожаемые публикой оперные певцы Елена Образцова и Сергей Лемешев, «самый народный из русских музыкантов» Митрофан Пятницкий и первый исполнитель классической музыки с премией Грэмми — пианист Ван Клиберн.

Из событий — расскажем, когда состоялся первый джазовый фестиваль в Америке и что произошло в Мадриде 15 июля 1830 года.


2 июля 1714 года в небольшой семье австрийского лесничего родился Кристоф Виллибальд Глюк, тот самый «кавалер Глюк», будущий композитор, наполнивший оперный жанр страстями и силой греческой трагедии.

Поступив в Пражский университет на философский факультет, Глюк много размышляет, играет на скрипке и виолончели, странствует, попутно знакомясь с чешской народной музыкой. Из Чехии Кристоф Глюк переезжает в Италию, где увлекается оперой — изучает творчество известных итальянских композиторов и пишет свои первые оперы, которые были хорошо приняты публикой.

Позже в Вене Глюк получит пост дирижёра и звание «действительного императорского и королевского придворного композитора».

Опера «Орфей» стала большим событием в мире оперы вообще и в творческой жизни композитора в частности. Вместе с античным сюжетом Глюк перенёс в оперу и традиции древнегреческих трагедий: благородство образов, накал страстей, монументальность композиции, эмоциональность и в то же время ясность, простоту стиля.

«...Я избегал демонстрировать нагромождение эффектных трудностей в ущерб ясности, и я не придавал никакой цены открытию нового приёма, если таковой не вытекал естественно из ситуации и не был связан с выразительностью». 



3 июля 1854 года родился Леош Яначек, композитор, дирижёр, музыкальный критик, педагог, фольклорист.

«...Горячий, вспыльчивый, принципиальный, резкий, рассеянный, с неожиданными переменами настроений. Был он невелик ростом, коренаст, с выразительной головой, с густыми волосами, лежащими на голове беспорядочными прядями, с насупленными бровями и искрящимися глазами. Никаких потуг на изящество, ничего внешнего. Был он полный жизни и порыва упрямец. Такова и его музыка: полнокровная, лаконичная, изменчивая, как сама жизнь, здоровая, чувственная, горячая, увлекающая за собой». Ярослав Шеда, музыковед


Одна из областей деятельности Леоша Яначека — фольклорная. Живя и работая в Вене, он не поддался влиянию позднего романтического искусства, а продолжил заниматься и писать в интонациях и традициях народного творчества. Вместе с известным лингвистом и этнографом Франтишеком Бартошем Яначек ездил в фольклорные экспедиции: в деревнях он наблюдал за крестьянами и собирал записи моравских народных песен, а потом делал их концертные обработки. Самым полным и известным произведением стала симфоническая сюита «Лашские танцы» и предисловие к сборнику песен «О музыкальной стороне моравских народных песен», которое считается классическим трудом в фольклористике.


В тот же день 10 лет спустя и за тысячи километров родился Митрофан Пятницкий — «самый народный из русских музыкантов», собиратель и исполнитель русских народных песен, основатель самого известного Русского народного хора.

«Народная песня — художественная летопись народной жизни, к глубокому сожалению, вымирает с каждым днём... Народная песня исчезает, её надо спасать».

Митрофан Ефимович Пятницкий

Митрофан Пятницкий с крестьянами их хора

История Митрофана Пятницкого — длинный путь из бедного села в Воронежской области в столицу, от нервного расстройства, непонимания, мечты к долгожданному признанию.

Пятницкий хотел быть оперным певцом, слушал итальянских исполнителей и старался им подражать. Но судьба решила иначе и свела его с Фёдором Шаляпиным. Он пригласил стесняющегося и немного неуклюжего певца на один из приёмов. Внимательно послушал и посоветовал обратиться к русской народной песне. Он же помог Митрофану Пятницкому устроиться в музыкально-этнографическую комиссию при университетском Обществе естествознания, антропологии и этнографии.

Фольклорная деятельность увлекает Пятницкого: он ездит в экспедиции по деревням, собирает материал, который потом войдёт в книги «12 песен Воронежской губернии Бобровского уезда» и «Жемчужины старинной песни Великой Руси» (было записано и сохранено более 800! песен). Приходит долгожданная известность, а вместе с ней и деньги. Пятницкий покупает фонограф и на него записывает песни уже по всей стране. Тогда же появляется мечта о хоре, не стилизованном, а настоящем — из крестьян. В 1910 году крестьянский хор впервые выступил перед московской публикой. Это был успех!

«Очень крупный успех выпал на долю вечера крестьянских песен, состоявшегося в литературно-художественном кружке. Перед публикой на фоне соответственных декораций прошла заправская русская деревня с её старинными, ещё не опошленными песнями, вымирающими ныне костюмами, обрядами и присказками.

Участвовало около тридцати человек обоего пола, привезённых г. Пятницким из Воронежской, Рязанской и Смоленской губерний.

Избалованная кружковская публика отнеслась к крестьянам с исключительной для неё экспансивностью и много аплодировала». Газета «Русское слово», 26 января 1912 года

Во время войны Пятницкий работал в госпитале, и там же собрал «инвалидный» хор из раненых солдат. После революции он продолжил свою деятельность — приглашал рабочих и крестьян, которые умели петь, и репетировал с ними у себя дома. Хор пользовался популярностью у действующей власти, поэтому в 1919 году хор был полностью восстановлен и активно выступал.


7 июля отмечаем 160 лет со дня рождения Густава Малера, австрийского дирижёра и одного из самых исполняемых композиторов в мире.

«Главное в том, чтобы не считать людское мнение путеводной звездой, а идти по жизни своей дорогой и работать целеустремлённо, не унывая от неудач и не соблазняясь аплодисментами».

Густав Малер

До аплодисментов и бурных оваций Малером был пройден большой путь непонимания, холодности и насмешек. Но это его не остановило. Большую часть времени у него занимала работа дирижёром, что приносило ему известность и доход. На сочинительство и собственные произведения оставались часы досуга или отпуска.

Густав был невероятно трудоспособным и эксцентричным и импульсивным, что отражалось в его манере исполнения, далёкой от привычной публике, академической, — резкие перепады ритмов и громкости. Малера часто изображали карикатуристы с подписью к рисунку «одержимая судорогой кошка» или «гальванизирующая лягушка».

Любимыми жанрами Малера-композитора были песня и симфония, которые порой переплетались, что было новым для того времени. Его симфонии — стремление к гармонии и поиск ответов на вечные вопросы бытия через музыку.

" ...(для меня) писать симфонию — значит всеми средствами имеющейся техники строить новый мир. Всю жизнь я сочинял музыку лишь об одном: как я могу быть счастлив, если где-нибудь ещё страдает другое существо"

Признание и успех композиторскому таланту Малера принесла его Восьмая симфония — «симфония тысячи участников». Самое масштабное из его произведений (три хора, в том числе детский, 8 солистов, оркестр больше в 5 раз!) было написано на летних каникулах всего за 2 месяца. Малер положил в основу слова католического гимна Veni Creator Spiritus («Приди, о Дух животворящий») и заключительную сцену из «Фауста» Гёте и объединил их музыкой. Симфония стала воплощением любви к жизни и по силе образов не уступала «Оде к радости» Бетховена.

«Это самое значительное из всего, что я до сих пор написал. Сочинение настолько своеобразно по содержанию и по форме, что о нём невозможно даже рассказать в письме. Представьте себе, что вселенная начинает звучать и звенеть. Поют уже не человеческие голоса, а кружащиеся солнца и планеты».

Густав Малер — Виллему Менгельбергу

Премьера состоялась в Мюнхене 12 сентября 1910 года. Наконец-то композитор почувствовал свой первый успех, который сопровождался получасовой овацией.


7 июля 1939 года появилась на свет «лучшая в мире Кармен» и «великий голос Большого» — Елена Образцова.

Любовь к пению пришла ещё в детстве вместе с вальсами Штрауса. А дальше всё, как в кино: хор — Ленинградская консерватория — победа на международном фестивале — первая премия Всесоюзного конкурса вокалистов имени Глинки — и приглашение в Большой театр. Елена Образцова гастролирует по лучшим площадкам мира и везде её голос и талантливое исполнение встречают с восхищением и обожанием.

Самой знаковой для неё стала роль Кармен в опере Жоржа Бизе.

«Кармен» — единственная опера, которую я не пою, а которая поёт мною. Когда я впервые выступила в ней, то по-настоящему пережила свой дебют. Я перестала себя чувствовать артисткой, в меня словно вселилась душа Кармен. Потом, как в полусне, до меня донеслись крики зрителей и аплодисменты. И они вернули меня к действительности«, — рассказывала о своих впечатлениях Елена Образцова.

Елена Образцова в роли Кармен


«В „Кармен“ она исполняла песню фатальной любви, невыносимой для слабой человеческой природы. В финале, двигаясь лёгкой походкой через всю сцену, её героиня сама бросается на вынутый нож, воспринимая смерть как избавление от внутренней боли, непереносимого несовпадения мечты и реальности. По-моему, в этой роли Образцова совершила не оценённую пока революцию оперного театра. Одной из первых она сделала шаг к концептуальной постановке, которая в 70-е годы расцвела в феномене режиссёрской оперы. В её уникальном случае концепция всего спектакля исходила не от режиссёра (а им был сам Дзеффирелли), а от певицы. Оперный талант Образцовой — прежде всего театральный, именно она держит в руках драматургию спектакля, навязывая ему своё измерение...», — писал М. Жирмунский.

Репертуар Елены Образцовой не ограничивался оперными ариями. Она пробовала себя в эстрадной и джазовой музыке. В 2003-2004 прошли её концерты классического джаза с квартетом Игоря Бутмана и оркестром «Султаны Свинга» под управлением Дэвида Бергера.


10 июля 1895 года родился самобытный композитор и экспериментатор Карл Генрих Мария Орф. Его творчество не вписывается в жанровые рамки — это интересный синтез театральных постановок, мистерий, музыки, хора, оперы, балета и уличных карнавальных представлений, это, как он сам называл, — «маленький театр мира».

Карл рос среди звуков музыки — отец и мать были прекрасными исполнителями и часто играли дома. Ему нравилось «стучать по клавишам», придумывать свою музыку, а не заучивать произведения. В 6 лет он впервые увидел кукольный театр, который на него произвёл большое впечатление. И Карл стал организовывать домашние спектакли, сочинял к ним слова и музыку.

Вторым по силе впечатлением стал оперный театр, точнее, «Летучий голландец» Вагнера. После этого Карл перестал ходить в гимназию и днями напролёт сидел за пианино, что-то подбирая и сочиняя. С этого момента не осталось никаких сомнений по поводу дальнейшего пути — Мюнхенская академия музыкального искусства.

Успех и признание принесла кантата, или как её ещё называют «песнопения с картинами» — «Кармина Бурана», первая часть триптиха «Триумфы». Идея пришла из рукописи XIII века, найденной в одном из монастырей Баварии и хранившейся в Центральной библиотеке Мюнхена. Читая сборник стихов бродячих поэтов, Карл Орф представил себе яркое действо, в котором будут крепко сплетены вокал, музыка и хореография.

Второе новаторство Орфа связано с музыкальным образованием детей. В 1924 году вместе с гимнасткой Доротеей Гюнтер Карл Орф открыл «Гюнтершуле» — школу гимнастики, музыки и танца для девочек. В основе модели обучения лежит идея формирования гармонично развитой личности через свободное музицирование и импровизацию. Главное внимание Орф уделяет развитию чувства ритма и пластики, соединению музыки с движением. Поэтому сначала дети играют на простых инструментах — трещотках, бубнах, бубенчиках, небольших барабанах и сочиняют собственные импровизации на заданные темы, много двигаются и танцуют. А потом переходят к более сложным инструментам — металлофонам и флейтам.

Сейчас в мире много последователей Орф-педагогики. В нашей школе в дошкольных группах мы активно применяем её принципы и подходы, потому что идеи этого гениального человека нам очень откликаются.

«Кем бы ни стал в дальнейшем ребёнок, задача педагогов воспитывать в нём творческое начало, творческое мышление... Привитые желание и умение творить скажутся в любой сфере будущей деятельности ребёнка».

Карл Орф

10 июля 1902 года день рождения лирического тенора — Сергея Лемешева. История его жизни — череда чудесных совпадений и случайностей, которые привели мальчика из крестьянской семьи к всемирной известности.

«Я встречался и выступал со многими выдающимися артистами разных поколений. Но среди них есть только один, которого я особенно люблю — и не только как товарища по искусству, но прежде всего как артиста, озаряющего счастьем! Это — Сергей Яковлевич Лемешев. Его глубокое искусство, драгоценный сплав голоса и высокого мастерства, результат большой и упорной работы, — всё это несёт печать мудрой простоты и непосредственности, проникая вам в сердце, задевая сокровеннейшие струны. Где бы ни появилась афиша, извещающая о концерте Лемешева, заведомо известно, что зал будет переполнен и наэлектризован! И так на протяжении пятидесяти лет. Когда мы с ним выступали вместе, я, стоя за дирижёрским пультом, не мог отказать себе в удовольствии украдкой посмотреть в боковые ложи, доступные моему взгляду. И я видел, как под воздействием высокого артистического вдохновения одушевлялись лица слушателей». Б. Э. Хайкин, дирижёр


В своих воспоминаниях Сергей пишет, что детям при взрослых петь не полагалось, поэтому он пел, когда уходил в лес или в поле. И однажды, когда он пас лошадей, его услышал Николай Квашнин, директор местной ремесленно-художественной школы. Голос ему очень понравился, и он пригласил мальчика заниматься со своей женой — учиться вокалу и нотной грамоте. Так начался путь великого русского певца. Одной из разученных партий была ария Ленского из оперы П. И. Чайковского «Евгений Онегин». Именно она спустя годы станет главной ролью Лемешева (он её исполнил 501! раз).

«Ещё до революции деревня отличалась от города тем, что она пела. Народные песни звучали всюду: и в избах, и на улице, в поле, и пели их мои земляки выразительно, проникновенно, задушевно, а случалось — и очень весело».

В 19 лет Сергей Лемешев поступил в Московскую Консерваторию, где был невероятный конкурс — 500 заявлений на 25 мест.

За свой первый сольный концерт певец получил 175 рублей (в то время большую сумму) и купил на них новую избу для мамы и брата.

В это же время Лемешев попал в студию к Константину Сергеевичу Станиславскому, где и получил роль Ленского. «Не гримируйте его, он в жизни — Ленский», — сказал перед спектаклем Станиславский.

В деревне Старое Князево каждый год в день рождения Сергея Лемешева проходит певческий праздник, названный в его честь.

«Выйдет на сцену человек, и думаешь: ах, какой чудный голос! Но вот он спел два-три романса, и становится скучно! Почему? Да потому, что нет в нём внутреннего света, сам человек неинтересен, неталантлив, а только Бог вложил ему голос. А бывает наоборот: голос у артиста вроде бы и посредственный, но вот он что-то такое произнёс по-особому, по-своему, и знакомый романс вдруг засверкал, заискрился новыми интонациями. Такого певца слушаешь с удовольствием, потому что ему есть что сказать. Это главное».


Отрывки из автобиографии певца «Путь к искусству» читайте в нашей рубрике Воспоминания


Ван Клиберн

Имя Вана Клиберна (Харви Леван Клайберн) уже звучало в первом выпуске нашей Газеты. А сейчас есть повод рассказать побольше о кумире всех советских девчонок. Американский пианист, первый победитель Международного конкурса имени Петра Чайковского родился 12 июля 1934 года.

Интересно, что правильно его фамилия произносится Клайберн, но в Советском Союзе её читали как Клиберн, так и повелось, и сам пианист не возражал — в этом была своя непосредственность и безусловное обожание.

«Мамочка, больше всего на свете мне хочется стать пианистом!», — сказал пятилетний ребёнок, впечатлённый исполнением одного из последних своих концертов Сергеем Рахманиновым. Невидимая связь американского мальчика, который станет известным пианистом, и большого русского композитора пройдёт через всю жизнь. Его учителем в Джульярдской школе музыки в Нью-Йорке будет однокурсница Рахманинова — Розина Левина. По одной из версий она же настоит на том, чтобы Ван Клиберн поехал на Конкурс им. Чайковского. А для участия был выбран, конечно, Третий фортепианный концерт своего кумира.

Но по словам Клиберна о конкурсе он узнал по-другому: «Впервые я услышал о Конкурсе Чайковского от Александра Грейнера, импресарио фирмы „Стейнвей“. Он получил брошюру с условиями конкурса и написал мне письмо в Техас, где жила моя семья. Потом он позвонил и сказал: „Ты должен это сделать!“ Меня сразу захватила идея поехать в Москву, потому что мне очень хотелось увидеть церковь Василия Блаженного. Это была мечта всей моей жизни с шести лет, когда родители подарили мне детскую книжку с картинками по истории. Там было две картинки, которые приводили меня в огромное волнение: одна — церковь Василия Блаженного, и другая — лондонский парламент с Биг Беном. Я так страстно хотел увидеть их собственными глазами, что спрашивал родителей: „Вы возьмёте меня с собой туда?“ Они, не придавая значения детским разговорам, отвечали согласием.

Итак, я сперва полетел в Прагу, а из Праги в Москву на советском реактивном лайнере Ту-104. В то время у нас в Соединённых Штатах ещё не было пассажирских реактивных самолётов, так что это было просто захватывающее путешествие. Мы прибыли поздно вечером, часов около десяти. Земля была покрыта снегом, и всё выглядело очень романтично. Всё было так, как мне мечталось. Меня встретила очень милая женщина из Министерства культуры. Я спросил: „Нельзя ли по дороге в гостиницу проехать мимо Василия Блаженного?“ Она ответила: „Конечно, можно!“ Словом, мы поехали туда. И когда я оказался на Красной площади, я почувствовал, что у меня вот-вот остановится сердце от волнения. Главная цель моего путешествия была уже достигнута...»

После победы на Конкурсе в Москве Клиберн становится одним из символов «оттепели» и национальным героем. На родине его встречают с восторгом, почестями и контрактами на записи альбомов. В 1958 году впервые за всю историю классической музыки альбом с записью Первого фортепианного концерта Чайковского стал «платиновым». И в том же году Клиберн за этот альбом получил премию Grammy.

«У этого молодого человека большая способность любить всех — музыку, дирижёра, оркестр, слушателей. И в любви его нет ничего сентиментального — она глубока, спокойна, надёжна».

Гарольд Роджерс, журналист

В свой последний приезд в Москву Ван Клиберн дал эксклюзивное интервью для радио «Орфей», где рассказал о Конкурсе Чайковского, Большом зале Консерватории и любимых композиторах американцев.

Полный текст интервью Вана Клиберна



15 июля 1830 года произошло важное событие в музыкальной жизни Испании: указом короля Фердинанда VII учреждена Мадридская Королевская консерватория, которая и сейчас является одним из главных высших учебных заведений страны.


Один из старейших джазовых фестивалей Америки — Newport Jazz Festival первый раз состоялся 18 июля 1954 года. Он появился благодаря инициативе известной светской дамы Элейн Лориллард и её мужа Луи Лорилларда, собрав сразу же около 11 000 тысяч пришедших. Хедлайнерами на площадке были легендарные инструменталисты и вокалисты Америки — Билли Холидей, Диззи Гиллеспи, Лестер Янг, Бобби Хаккет, Ленни Тристано. В конце 60-х годов организаторы фестиваля включили в музыкальную программу фолк, рок, соул и фьюжн, тем самым привлекая внимание более широкой аудитории. Большой восторг американской публики вызвало добавление к джазовому репертуару госпел-музыки в 1957 году. Особое впечатление произвело это на белых слушателей, до этого никогда не слышавших мощное звучание афроамериканского госпел-хора.

Источник: Jazzpeople.ru


Джон Филд родился 26 июля 1782 года в Ирландии, но большую часть своей жизни провёл в России. Здесь он становится самым востребованным репетитором, исполнителем и композитором. Он становится родоначальником нового жанра — ноктюрн, который моментально становится популярным.

Ференц Лист писал о заслугах своего коллеги: «До Филда фортепианные произведения неизбежно должны были быть сонатами, рондо и т. п. Филд же ввёл жанр, не относящийся ни к одной из этих категорий, жанр, в котором чувство и мелодия обладают верховной властью и свободно движутся, не стеснённые оковами насильственных форм. Он открыл путь всем тем сочинениям, которые впоследствии появились под названием „Песен без слов“, „Экспромтов“, „Баллад“ и т. п., и был родоначальником этих пьес, предназначенных для выражения внутренних и личных переживаний. Он открыл эти области, предоставившие для фантазии более изысканной, чем величественной, для вдохновения скорее нежного, чем лирического, столь же новое, как благородное поприще».

«Хотя я слышал его не много раз, но до сих пор хорошо помню его сильную, мягкую и отчётливую игру. Казалось, что не он ударял по клавишам, а сами пальцы падали на них, подобно крупным каплям дождя, и рассыпались жемчугом по бархату».

М. Глинка


Звонкие и весёлые песни про «Наташку-первоклашку», «Из чего же, из чего же...» при первых аккордах возвращают в детство, когда мы скакали в классики и громко хором напевали любимые мелодии. Мы тогда не знали, что их автор — советский композитор, написавший большое количество детских песен и музыку для многих мультфильмов, Юрий Чичков (26 июля 1929 года).

«Творчество для детей держится на трёх китах — музыка и стихи должны быть услышаны сердцем, в детской песне должно быть заложено доброе, волшебное зёрнышко и самое главное — любовь к детям!» — говорил Юрий Чичков.

Может, поэтому все его песни так легко запоминаются и отзываются каждым звуком, потому что помнится только хорошее и доброе.



Иллюстрация: «Летний праздник» Б.М. Кустодиев

Спасибо за сообщение.

Мы свяжемся с вами в ближайшее время.